Depuis l'Antiquité, les artistes et les historiens de l'art ont tenté de définir le phénomène de l'"art". Aristote, l'un des premiers à définir l'art, l'a décrit comme l'imitation (mimesis) et, à l'époque romane, l'art était défini comme une intériorité, une extase et une distanciation par rapport à la pression de la raison et de la logique.
Selon le sculpteur français Rodin, l'art est un effort de pensée qui cherche à comprendre et à expliquer le monde, et selon Tolstoï, l'art est l'acte de représenter une émotion que l'on a toujours ressentie, puis de transmettre cette émotion par la ligne, la couleur, le mouvement ou les mots afin que d'autres puissent la ressentir de la même manière.
Tout ce qui se passe chez une personne ne peut pas être décrit avec des mots. Les mots ne suffisent pas pour que les gens puissent dire et exprimer beaucoup de choses qu'ils veulent entendre et exprimer dans leur monde spirituel et dans les profondeurs de leur inconscient. Le langage visuel est l'une des formes d'expression les plus primitives et les plus sincères liées à la nature humaine. Dans les arts visuels, les expressions non verbales, les formes, les mouvements et les couleurs sont au premier plan.
Comme l'a déclaré Freud, la psychanalyse n'est jamais seulement une méthode de diagnostic et de traitement des maladies mentales, mais elle peut aussi être utile pour résoudre les problèmes de la philosophie, de la religion et de l'art.
Freud définit l'art comme l'attitude d'une personne face à la vie, le plaisir du jeu, un pas au-delà de la réalité, la représentation théâtrale de la douleur, et non la douleur elle-même. Freud a décrit l'art comme la symbolisation d'un sentiment de satisfaction déplacé et, en établissant une affinité entre l'art et les rêves, il a déclaré que l'art naissait des conflits de la personne.
L'artiste ne peut pas vivre ses instincts et ses désirs subconscients au niveau du moi conscient (ego) en raison d'interdictions sociales. Si le conflit entre le conscient et le subconscient ne peut être résolu à ce niveau, un trouble mental appelé névrose apparaît, ou bien le conflit se transforme en produit créatif grâce au mécanisme de sublimation.
Le psychiatre John Rickman affirme que les pulsions créatrices et destructrices sont intensément présentes chez l'artiste et que ces deux pulsions différentes interagissent entre elles. Il considère le produit de l'artiste comme le triomphe de la puissance créatrice sur les pulsions destructrices.
À la suite de ses recherches sur des artistes tels que Dostoïevski et Beethoven et sur leurs œuvres, Freud suggère que l'artiste tente de satisfaire les pulsions qu'il maintient sous pression par l'imagination et l'imagerie. Les raisons de la création de l'artiste se trouvent dans l'histoire de sa vie, sa personnalité et son comportement. La haine de Dostoïevski pour son père, son souhait de le voir mourir et la culpabilité qu'il en éprouve se reflètent dans son roman Les frères Karamazov.
A.Adler, se basant sur la surdité de Beethoven et la raison de sa surdité (il est devenu sourd parce que son père lui a frappé violemment l'oreille), affirme que les individus créatifs s'efforcent de surmonter une déficience, un manque de fonctionnement d'un organe, par leurs actes créatifs.
Le peintre français David a été critiqué pour la fadeur, la platitude et la symétrie excessive de ses peintures. Lorsque l'on examine l'histoire de la vie de l'artiste, on comprend qu'il avait une grande zone de distorsion sur la joue droite, peut-être une tumeur bénigne, qui a provoqué une nette asymétrie faciale chez l'artiste, la tumeur s'est d'abord installée sur la lèvre supérieure et a considérablement gêné l'élocution de l'artiste. Le peintre utilise des mécanismes de défense inconscients dans ses œuvres, comme s'il se soignait lui-même avec ses tableaux.
Le peintre espagnol Goya a souffert d'une succession de maladies physiques et mentales au cours de sa vie. Syphilis, neurolabyrinthite, réaction schizophrénique, dépression sénile, ces maladies récurrentes ont provoqué des paralysies incomplètes, des crises d'épilepsie, une semi-cécité, des troubles occasionnels de l'audition et de la parole, des troubles de la pensée avec des hallucinations et une perte de contact avec la réalité. Ce tableau clinique a été attribué à l'exposition excessive de Goya à l'ocre, un composé toxique qui était le colorant le plus utilisé par l'artiste. Après ses maladies, le peintre a changé de personnalité.
Si l'on se souvient d'exemples tirés d'autres domaines des beaux-arts, comme la claudication du poète George Byron, de l'écrivain et poète Walter Scott, la claudication du compositeur et pianiste Chopin, la tuberculose de l'écrivain Kafka, du poète et dramaturge Schiller, les troubles physiques marqués de l'écrivain Cervantès, du peintre Toulouse-Loutrec et de l'écrivain Hemingway, la déficience visuelle de l'écrivain Huxley... le processus créatif peut être affecté par l'état de l'organisme. Le reflet psychique d'une déficience physique ou d'une inadéquation au début de la vie n'affectera peut-être pas la créativité de tous les artistes. Cependant, il peut avoir un effet profond. Cette déficience peut stimuler le pouvoir créatif, souvent de manière inconsciente.
La mort d'un être cher a affecté les œuvres de nombreux artistes. La perte d'un objet favori peut provoquer une dépression. Une perte survenue tôt dans la vie peut entraîner un chagrin non résolu, une préoccupation excessive pour le défunt, des sentiments de culpabilité et des troubles psychologiques. Chez les personnes talentueuses, cet état d'esprit peut conduire à l'émergence de pensées créatives en guise de compensation. Le danger particulier pour l'artiste est la confusion de la frontière entre le moi et l'expression de l'objet. À terme, la capacité de l'artiste à évaluer la réalité peut être altérée et une psychose peut survenir.
Le peintre Edward Munch a vu sa mère mourir à l'âge de 5 ans et sa sœur en bas âge. Lorsque l'art de Munch est analysé, on comprend que le peintre a été profondément affecté par la mort de sa mère et qu'il a été confronté à un traumatisme visuel. Dans le tableau Le cri, la mort qui s'échappe de la zone rouge symbolise sa mère, décédée d'une hémorragie pulmonaire. Le fait que la figure tourne la tête et se tienne la tête avec les mains est considéré comme une fuite intense de la scène qui suscite la peur.
Au cours de ses 37 années d'existence, la vie du peintre Van Gogh a été pleine de pertes. Le peintre a connu sa première crise mentale lorsqu'il a été rejeté par la personne qu'il voulait épouser, et ses jours troublés ont commencé lorsqu'il a dépensé tout ce qu'il avait pour les ouvriers de la mine. Immédiatement après la mort de son père, il réalise son premier grand tableau. Il s'inscrit à l'académie, ne peut accepter la discipline de l'école en raison de sa personnalité, s'installe dans la maison du peintre Gaugin, et un jour où le désaccord entre eux augmente, il marche sur Gaugin et lui coupe le lobe de l'oreille. Après cet incident, le peintre est interné dans un hôpital psychiatrique. Malgré l'épilepsie temporale et la psychose qui en résulte, Van Gogh continue à travailler avec ambition. Dans la chambre où il séjourne à l'hôpital, le peintre peint les objets par paires pour compenser sa solitude. Deux mois après sa sortie de l'hôpital, il a peint 60 tableaux. L'autoportrait de Van Gogh, avec sa pipe et son oreille bandée, témoigne de sa puissance. Le peintre malade et solitaire a donné l'énergie vitale qui lui restait à ses tableaux. L'état d'esprit de Van Gogh est évident dans le dernier autoportrait qu'il a réalisé un mois avant son suicide ; le visage de l'artiste, qui était constamment en proie à des crises et à des peurs, est en proie au chagrin, ses lèvres sont serrées, ses yeux sont pensifs.
Frida Kahlo, la peintre mexicaine, a éprouvé la plus grande douleur lorsqu'elle est devenue incapable de peindre. Ce qu'elle a ressenti est quelque chose qui va au-delà du fait qu'elle a été opérée 32 fois, coupée et coupée. À l'âge de 5 ans, lors d'une promenade, Kahlo trébuche sur une racine d'arbre et tombe. Elle souffre alors de la polio et commence à vivre avec une jambe faible et à boiter. À l'âge de 19 ans, à la suite d'un accident de la circulation, ses troisième et quatrième os de la colonne vertébrale sont brisés, et la tige de fer qui est entrée dans sa hanche et sortie de son utérus a causé de profondes blessures. La mère de Frida construit un lit à colonnes et accroche un miroir au plafond du lit pour qu'elle puisse se regarder. La première réaction de l'artiste est pleine d'horreur, mais après un certain temps, elle regarde son corps démembré gisant sous le miroir, son monde intérieur avec moins de peur, et commence à se dessiner. En même temps, c'était une façon pour lui de ne pas ressentir la douleur insupportable. Lorsqu'il rendit son dernier souffle en 1954 à la suite d'une embolie pulmonaire, la dernière peinture qu'il laissa derrière lui fut une nature morte intitulée "Vive la vie".
Le point de vue opposé sur la personnalité et la créativité de l'artiste est celui de C.G.Jung. Selon lui, il existe un lien psychologique naturel entre l'art et l'artiste, mais lorsqu'il s'agit d'art et de psychopathologie, il est nécessaire d'adopter une approche qui ne porte pas atteinte à l'essence de l'art, et que quelqu'un qui comprend la profession ne confondrait pas un phénomène pathologique avec une œuvre d'art. Le psychiatre existentialiste May soutient cette approche. Il affirme qu'il faut prendre fermement position contre les approches qui suggèrent que le talent est une maladie et que la créativité est une névrose. May affirme qu'une personne névrosée lutte contre des sentiments de solitude, de néant et d'aliénation, tout comme un artiste, mais alors que l'artiste exprime ces sentiments sous la forme d'un produit par le biais de la créativité, la personne névrosée ne peut pas le faire.
Il semble que les questions de l'art, de l'artiste, de la créativité et de la maladie mentale seront débattues jusqu'à ce que les secrets du cerveau et de la personnalité humaine soient résolus.